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Narthex - Art Sacré, patrimoine, création.

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Chagall, du noir et blanc à la couleur
Coloriste incontesté, Marc Chagall est-il uniquement l’auteur prolifique et innocemment rêveur de toiles chamarrées faisant alterner scènes bibliques et profanes peuplées d’amoureux enlacés en lévitation, de boucs et coqs démesurés ou de saltimbanques dansant en musique? A Aix-en-Provence, l’exposition de l’Hôtel de Caumont explicite en 130 oeuvres toutes techniques confondues, certaines rarement montrées, l’exploration du noir et blanc par Chagall pour une intensification de la couleur dans la deuxième partie de sa carrière, de 1948 jusqu’à son décès en 1985.
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Nicolas de Staël en Provence
Concentrée sur la période provençale de Nicolas de Staël, l’exposition qui se tient jusqu’au 23 septembre 2018 à l’Hôtel de Caumont, à Aix en Provence, réunit une centaine d’œuvres issues de collections publiques et privées. Réalisés par l’artiste entre juillet 1953 et juin 1954 avant qu’il ne mette fin à ses jours le 16 mars 1955, les peintures et dessins révèlent l’intensité d’une œuvre marquée par l’éclat de la lumière du Midi, une vie ponctuée d’événements dramatiques et la fièvre de son auteur.
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Alexandre Hollan, La quête du voir
Plusieurs expositions monographiques ont consacré le travail d’Alexandre Hollan : "Le chemin de l’arbre" en 2012 au Musée de Budapest et au Musée Fabre de Montpellier, "Questions aux arbres d'ici" en 2016 au musée de Lodève, et "L'invisible et le visible" au musée Fabre de Montpellier actuellement. Assez naturellement ces expositions ont privilégié la figure de l’arbre pour laquelle l'artiste est investi d'une relation si particulière, extrêmement sensible et fidèle. Le questionnement de la sensation et du regard mené sans discontinuité par l'artiste a fait également l'objet d'une importante rétrospective à Évreux en 2015, "Je suis ce que je vois" (1). Car, au-delà de la figure de l’arbre, l'ensemble du travail d'Alexandre Hollan n'est qu'exploration du phénomène du voir : “Je cherche quelque chose que je ne vois pas”.
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Expo: Les ponts d'Isabelle de Hédouville.F, d'une rive à l'autre à la Galerie Bansard
La série principale exposée à la galerie Bansard jusqu'au 25 septembre 2017 consiste en une série de tableaux réalisés sur le thème des ponts de Paris. Le pont, ce lien qui permet d’aller d’une rive à l’autre mais également d’une personne ou d’un groupe de personnes à l’autre. Ce sujet est traité par superposition d’éléments urbains et leur recomposition, celle-ci mettant en valeur leurs transparences, leurs contrastes, leurs lumières, leurs lignes… L’homme pénètre peu à peu dans ce monde où les éléments lui paraissent nouveaux et où il est amené à redécouvrir ses repères et son rapport aux autres.
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Commémoration - exposition : Odilon Redon à l’Abbaye de Fontfroide
L’abbaye cistercienne de Fontfroide, située en pays Cathare à Narbonne, construite en 1093 et classée Monument Historique, est propriété de la famille Fayet depuis 1908. Celle-ci poursuit toujours activement la restauration et l’embellissement de cet ensemble exceptionnel dont la configuration originelle est restée intacte. Artiste et conservateur de Musée, Gustave Fayet est surtout connu pour son talent de collectionneur visionnaire et ses commandes d'œuvres symbolistes: Gauguin, Van Gogh, Cézanne, et surtout Odilon Redon qui a réalisé un important décor pour sa bibliothèque : Le Jour, La Nuit et Le Silence. A l’occasion du 100ème anniversaire de sa mort, Odilon Redon (1840-1916) est à l’honneur : jusqu’au 31 octobre 2016 des visites de la bibliothèque sont organisées et une trentaine de reproductions d’œuvres de la collection Fayet en encadrées, accompagnées de textes explicatifs sur Redon, Fayet et les liens qui les unissaient, sont exposées dans les chapelles de l’église.
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Odilon Redon, l’artiste qui « épousa la couleur »
Cent ans après la mort d’Odilon Redon (1840-1916), l’Abbaye de Fontfroide (Narbonne) met à l’honneur celui qui réalisa en 1910 et 1911 un important décor pour sa bibliothèque à la demande de Gustave Fayet propriétaire des lieux. Jusqu’au 31 octobre 2016 cette bibliothèque se visite, tandis que les chapelles de l’église accueillent une trentaine de reproductions d’œuvres de la collection Fayet accompagnées de textes explicatifs sur Redon, Fayet et les liens qui les unissaient. Mais la commémoration de la mort d’Odilon Redon est surtout l’occasion de redécouvrir un artiste indépendant à l’œuvre multiple, reconnu par ses pairs comme un poète et un maître de la couleur. Tour à tour dessinateur, peintre, lithographe, décorateur et aussi musicien et écrivain, Odilon Redon revendiqua la fin de la hiérarchie entre les arts et participa à l’incroyable vitalité artistique du début du XXe siècle.
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Les ombres du temps
Il y a exactement 100 ans, naissait le grand compositeur français Henri Dutilleux. Nous avons déjà évoqué son œuvre à l’occasion de l’inauguration de la nouvelle Philharmonie de Paris, mais comment passer sous silence un tel anniversaire qui concerne une des plus éminentes figures de la musique française de notre temps ? Où l’on pourra vérifier que la création artistique traduit en profondeur les grandes questions de notre époque.
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Peindre la musique ?
Cette question peut paraître bien étrange : nous connaissons cependant des exemples de peintres qui furent de fins amateurs et connaisseurs de musique, voire musiciens eux-mêmes comme Arnold Schönberg. Une double exposition sur Marc Chagall et la musique nous invite à ouvrir nos yeux et nos oreilles sur ce lien mystérieux entre la peinture qui est immobilité et la musique qui n’est que mouvement.
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Esprit de feu, Esprit de lumière
Dieu, nul ne l’a jamais vu, nous dit la Bible. Mais est-il pensable de donner à contempler quelque chose de l’Esprit ? Certes l’art n’en a pas la prétention. Pourtant les artistes n’ont pas manqué pour essayer, non pas de nous montrer, mais simplement de nous permettre de vivre une expérience susceptible de nous conduire à accueillir en nous cet Esprit que l’Eglise célèbre en cette fête de la Pentecôte.
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L'empreinte de Claude Viallat
Claude Viallat est né à Nîmes en 1936. (1) Comme la plupart des peintres au début de leur carrière, il a peint des toiles en cherchant d’abord une composition au crayon sur une feuille de papier. Puis il reportait cette composition sur une toile ; mais alors il déplorait toujours le décalage entre ce qu’il avait dessiné et ce qu’il avait peint. Rapidement, il a décidé de travailler avec la même forme en prenant la plus simple, la plus élémentaire et la plus immédiate. Cette figure de base est un long rectangle aux angles adoucis qui évoquent un haricot ou un osselet.
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